Henri Émile Benoit Matisse, nació en Le Cateaur – Cambrésis  Francia  (1869-1954) Se destacó  en su tiempo  por  el uso  del color y su gran  destreza en el  dibujo  Reconocido como uno de los grandes artistas  del siglo XX,  Matisse, y Picasso, ambos  fueron considerados  entre los más importantes  pintores del siglo .    
Se inició en la pintura en el año 1889 con el fauvismo.
El fauvismo no es más que una ruptura con la forma tradicional  de representación en la pintura. En ella, se emplea el automatismo y la velocidad.  Fauve significa en francés fiera, y es un término  acuñado por el crítico de arte francés
Louis Vauxcelles. Este estilo nace en 1904 y finaliza en el 1908. Los artistas más destacados de ese movimiento fueron Matisse, Marquet, Vlaminck Braque y Duty.
 
En  los primeros años del siglo XX , ya Matisse se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y en el dibujo del cual desplegó en una inmensa producción que se  desarrolló por más de medio siglo con lo cual consagró su reputación convirtiéndose en una de las figuras centrales del arte moderno. A partir de entonces, se dio a conocer en los ámbitos del arte,  expandiéndose en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo. 
Matisse, reconoció en la obra de Vlaminck y Derain como  que compartían entre  si  y en 1903 participó en el Salón de Otoño junto a Camoin, Derain y Manguin. En Lujo, calma y voluptuosidad, Lienzo que sería adquirido por  Paul Signac, mostró su interés por las teorías y técnicas del divisionismo, que muy pronto abandonaría en favor de la exaltación del color y del sentimiento propios del fauvismo.
El nombre del movimiento se debe a Louis Vauxcelles, que en una de sus críticas al Salón de Otoño de 1905 había definido una escultura de Albert Marquet como "Donatello entre las fieras". La reacción de los fauvistas fue la más violenta que se produce contra el arte académico desde los impresionistas. Influidos por Gauguin y Van Gogh,  quienes concibieron los cuadros de un modo muy distinto del tradicional, así como lo hicieran los impresionistas. Mediante el empleo agresivo de los colores puros querían poner de manifiesto que la superficie de tela impregnada de pintura es una realidad autónoma e independiente.
En 1906 se inauguraba  en los grandes invernaderos de Cours- la Reine , en París , una nueva edición del Salon de la Sociedad de Artistas Independientes . Esta exposición   supuso un exito rotundo de Matisse y su consagración como pintor como cabeza visible del movimiento . Sus lienzos causaron sensación: de gesto espontáneo  y color  puro, su obra daba las pautas de un estilo nuevo, lleno de vigor expresivo , que se negaba a ser una mera imitación de la naturaleza.
Destacaba entre sus pinturas la ensoñación simbolista: lujo calma y voluptuosidad, cuadro adquirido por el también pintor frances Paul Signac y cuyas gruesas y cortas pinceladas de inmenso color, recuerdan  la técnica divisionista propia del mismo Signac; la tela estaba inspirada en los cuadros del que había sido uno de los maestros de Matisse, Gustave Moreau.
Su obra Madame Matisse tambien llamada Retrato de la raya verde. causó, a pesar de sus reducidas dimensiones, un gran impacto en el Salón de 1905 por la sabia saturación de los colores chillones. Matisse utilizó aquí el color en todas sus posibilidades expresivas.
En 1906 expuso de nuevo con el grupo de los Fauves (Manguin, Marquet, Puy, Derain, Van Dongen, Rouault) en el Salón de Otoño y realizó su primer viaje a África, donde le impresionaron los trabajos de arte popular, sobre todo los tejidos y las cerámicas. De ese año es su “Naturaleza muerta con tapete rojo”.
En 1907, por medio de Gertrud Stein, conoció al español Pablo Picasso  y realizó su primer viaje a Italia.
En 1908, Matisse ilusionado por transmitir sus ideas a los artistas más jóvenes, abrió una academia que sólo mantendría hasta 1911 y realizó su primera exposición individual en Nueva York, en la galería de Alfred Stieglitz.
 De otra parte en 1908, pintó  tambien, su famosa obra “Armonía en rojo”.  Conocido como “Mesa de postres”, “Mesa servida o La habitación roja”, el lienzo presenta un comedor burgués con una mesa en la que una camarera  finaliza los detalles previos de un ágape. El pintor ya había realizado una obra sobre el mismo tema una década antes, pero con  muy diferentes resultados .
 El interés por la perspectiva y la sensación de realidad han dado paso a una imagen plana, colmada de arabescos orientalizantes; el interior está decorado con un arabesco que se refleja en las formas del paisaje visto a través de la ventana. Sin embargo, la mesa que se confunde al fusionarse cromáticamente con la pared, conserva los mismos fruteros e idénticas botellas de obras anteriores. Esta escena doméstica, alegremente intimista, es uno de los iconos más difundidos del fauvismo.
En 1910 Matisse, realizó una amplia muestra individual en París, en la galería Bernheim-Jeune, y viajó con Marquet a Munich para visitar la exposición de arte islámico.
En 1911 se trasladó a Moscú para instalar los paneles en casa de Schukin y conoció los iconos y las artes decorativas bizantinas, que pasarían a ser un elemento esencial en su repertorio estilístico. Es claro ejemplo de ello El estudio rojo, en el que destaca la simplicidad del colorido. La superficie del cuadro es mate y plana y representa el estudio del artista, esta vez sin el artista y sin modelo, solamente con cuadros y algunos otros objetos.
Poco después viajó a Marruecos con Camoin y Marquet; pasó en el Norte de África los veranos de 1911-12 y 1912-13. Del primer verano data Jardín marroquí, una composición casi abstracta de verdes y rosas.
El estallido de la Primera Guerra Mundial provocó el traslado del pintor y su familia , Este, se había casado en 1898 con Amélie Parayre, con quien tenía dos hijos) a Collioure, donde conoció a Juan Gris. En 1916 pasó el invierno en Niza por primera vez. La elegancia, y la comodidad le permitió pasar más  tiempo. Comenzó así en su obra una etapa de intimismo, con interiores, desnudos, odaliscas y naturalezas muertas como temas predominantes.
En 1940, tras la derrota francesa, Matisse pensó en emigrar a Brasil, pero finalmente retornó a Niza; en 1941 sufrió una grave enfermedad intestinal; tras su recuperación, retomó el trabajo con renovadas fuerzas. En 1944 su mujer fue arrestada y su hija deportada; Matisse se volcó en su arte. Al finalizar la guerra, expuso con Picasso en el Victoria and Albert Museum de Londres; después presentó una gran retrospectiva en el Salón de Otoño de París.
 
Entre 1948 y 1950 trabajó en la decoración de la Capilla del Rosario de Vence donde residía desde 1944. Se publicó luego Jazz, una colección de reproducciones de los famosos papiers découpés   acompañados de un texto poético del propio Matisse. La obra más ambiciosa hecha con papeles recortados es La piscina (1952), donde las figuras están distorsionadas para crear el efecto de hallarse bajo el agua.
El mundo de Matisse  fue muy interesante por más de 30 años vivió  en la Costa Azul.  Se instalo en la que fuera una residencia de la Reina Victoria. Situada encima de una montaña donde  las sombras de las palmeras se recostaban sobre las adelfas . Allí en ese paraiso Matisse disfrutaba de un paisaje maravilloso. Rehizo la casa a su gusto . Colección de pájaros que le enviaban del otro Rincon del mundo, Cortinas del Congo, colgaban de los muros  alfombras persas, Rodeado de conchas y de porcelanas de la china colocadas en mesas de mármol constituían parte de su ambiente.
 
Cuando hablamos de comparar lenguajes plásticos con la literatura, nos surgen algunas preguntas: ¿tenemos que considerar la inclusión, en una obra literaria, de algún aspecto del mundo de la pintura o escultura, por ejemplo, como tema novelesco?;
¿pensamos en la biografía ficcionalizada de algún artista plástico?; o tal vez ¿debemos comparar una declarada o encubierta actitud estética frente al arte, la del artista plástico y la del literato? Y si se trata de una perspectiva estética, ¿no estaríamos incursionando ya en el campo de la filosofía más que en el de la plastic propiamente dicho?
¿O quizás tenemos que considerar la coetaneidad de dos artistas –el plástico y el literario– y analizar las imbricaciones artísticas de uno y otro campo?
Se hace difícil encontrar una única respuesta, sobre todo cuando estamos formados casi exclusivamente en un solo campo, el literario, en mi caso personal.